Tra pennelli e immagini virtuali. La pittura italiana nei nuovi anni Venti

Durante le ore di lezione al liceo scientifico, Paola Angelini era solita trascorrere il tempo disegnando. Quel gesto semplice e artigianale, che le procurava una sensazione di intimo piacere, anni dopo, è divenuto il nucleo fondante per la costruzione del suo lavoro. Le sue opere nascono da un’attenta rilettura del patrimonio visivo e artistico del passato e dall’osservazione dell’individuo: ricorrendo a costanti incursioni nella storia dell’arte, ai ricordi personali e al presente, l’artista riflette su questioni come l’identità della pittura contemporanea e la connessione tra spazi e temporalità differenti. Nel delineare questo immaginario, Angelini prende coscienza della complessa rete di relazioni che trasformano il colore, gli oggetti e le singole figure in entità tangibili: in L’abisso e Il sognatore (2021), la pittura si offre come un’esperienza che punta a sovvertire l’approccio contemplativo tradizionale, coinvolgendo e stimolando attivamente l’osservatore. Una delle caratteristiche tipiche del suo linguaggio consiste nell’utilizzo di una tavolozza ricca e conciliante che mira a purificare le forme, non tanto per esibire un puro esercizio di stile, quanto più per suggerire la possibilità di un confronto tra le proprietà dello spazio e le categorie estetiche. Allo stesso modo, i personaggi presenti nei suoi dipinti possono assumere forme molteplici e discordanti, configurandosi come creature algide dai tratti appena accennati, o come presenze vivide ed emblematiche che abitano uno spazio incantato.

Sabrina Casadei, Roma, 1985

La produzione di Sabrina Casadei è spinta dal tentativo di individuare e rappresentare la gamma di energie vitali che animano la natura. A un primo sguardo le sue opere sembrano vere e proprie esplosioni organiche: cristallizzate, aeree, vegetali, caotiche. Solo in seguito a un’osservazione più approfondita è possibile riuscire a carpire e interpretare il groviglio di ricami che scivola sulla tela grezza, fino a sovrapporsi in un campo aperto di forze e tensioni contrastanti: sono cieli in tempesta e fondali rocciosi che si stagliano con coraggio di fronte al nostro sguardo. Alla ricerca del bilanciamento perfetto tra gesto, colore e astrazione, Casadei combina un uso della pennellata – a tratti ampia, a tratti nervosa – che le permette di sprigionare sul supporto un flusso di istinti liberi e spregiudicati. Ne risulta la creazione di un paesaggio continuamente mutevole, capace di penetrare la materia e di alterarne le proprietà: rifiutando l’idea di dominare le forze proprie della natura, Casadei abolisce gli schemi e le strutture geometriche, in favore di una rappresentazione che si ricollega alle istanze del pensiero ecologico. In questo modo, ogni manifestazione del reale si lega alle altre attraverso un filo simbolico: in opere come Iperboreo e Velvet (2021), l’artista elabora un’espressività sinestetica che, da un lato, con i suoi filtri tattili, incuriosisce e avvicina lo sguardo ai dettagli disseminati nelle esplosioni cromatiche e, dall’altro, ne alimenta la fantasia, guidandolo verso la ricerca di un significato

Rudy Cremonini, Bologna, 1981

Rudy Cremonini approda alla pittura da giovanissimo e da autodidatta: a soli sedici anni, dopo aver ricevuto in regalo una scatola di colori, comincia a mettere a punto la sua tecnica, traducendo in pennellate libere ed evanescenti le sue intuizioni personali. Negli anni, la produzione di Cremonini si è concentrata sempre più sull’amplificazione di una voce interiore, piuttosto che sugli stimoli offerti dalla realtà esterna. Partendo da un incipit liberatorio assimilabile alla ritualità sciamanica, l’artista riversa sulla tela un flusso di tonalità polverose che si dissolvono con delicatezza in un’atmosfera onirica e pacata: figure umane, paesaggi, fiori e animali – definiti da pochi ma precisi tratti – pervadono l’immagine e si fondono in un tutt’uno con la struttura compositiva. Il variare dei soggetti testimonia la disponibilità dell’artista ad accogliere il cambiamento, ma l’elemento che lega in maniera indissolubile le sue opere è indubbiamente il punto di vista, sempre esterno e distaccato. Souvenir (2022) e The Large Window (2018), con le loro campiture ampie e distese e la loro prospettiva vertiginosa, sono la prova del modus operandi prediletto. Cremonini, nei panni e nella posizione ambigua e strategica del voyeur, prevarica il confine tra interno ed esterno, assenza e presenza, per poter osservare al meglio la scena che egli stesso sceglie di raffigurare

Diego Gualandris, Bergamo, 1983

Cresciuto ad Albino, un piccolo paese di montagna, Diego Gualandris ha sviluppato la sua ricerca muovendosi costantemente tra pratica artistica e produzione di racconti scritti popolati da creature fantastiche. Questo spazio di sperimentazione, influenzato dalla cultura di massa, dal fumetto e dalla letteratura fantascientifica, è divenuto il fondamento volutamente ambiguo e affascinate della sua opera. In tale prospettiva, la pittura – scelta come medium privilegiato – assume valenze molteplici: è un agente che elude i confini tra scenari immaginari e realtà quotidiana, e che, al contempo, tenta di ridefinire un impianto visivo partendo dalla mitologia e dai simboli della memoria collettiva. Che si tratti di una riscrittura storica o di una visione connotata da implicite valenze erotiche, il lavoro di Gualandris indaga e decodifica la natura più intima dell’immagine radicata nelle formule narrative della leggenda e del racconto orale. Solitamente di grande formato e rigorosamente a olio, i suoi dipinti prendono vita da una complessa rielaborazione degli strumenti pittorici tradizionali: il colore, diluito con l’olio per friggere, viene steso trascinando sulla tela pezzi di stoffa, peluche e pennelli fabbricati con setole inusuali che testimoniano l’ostilità dell’artista nei confronti della razionalità della tecnica. In opere come Gracula (2020) o Maxixe (2021) è possibile riscontrare l’approccio surreale, e quasi psichedelico, con cui Gualandris altera i toni, le forme e i dettagli fino a inglobarli in una sedimentazione di strati che genera forme intricate, spumose e fantastiche, ampliando e deformando l’esperienza dell’atto visivo.

Giuseppe Mulas, Alghero, 1995

Di origine algherese, Giuseppe Mulas vive e lavora a Torino, dove si è diplomato presso l’Accademia Albertina di Belle Arti. I suoi lavori, definiti da una pittura materica e pluristratificata, si contraddistinguono per una sintesi fra tematiche e modalità espressive apparentemente contraddittorie: da una parte, il confronto tra la solitudine del presente e i ricordi legati all’infanzia; dall’altra, un’ironia appena accennata attraverso l’utilizzo dei doppi sensi. Proprio questa analisi caratterizza la sua primissima produzione, in cui l’artista fonde il mondo di ieri con quello di oggi, il suo lato bambino con quello più adulto, nel tentativo di fissare sulla tela frammenti di vita riaffiorati alla mente. Il tutto immerso in un’atmosfera enigmatica, tra l’onirico e il simbolico, dove corpo, nature morte e ambienti domestici si fanno strumenti per scandagliare il suo mondo interiore, imprigionato nel blu della notte. Le sue opere più recenti, come Melancholy Took Me e Looking for the Night Away (2022), si pongono in linea di continuità con questa poetica. La percezione di un universo attonito e misterioso è ancora preponderante, così come la memoria dell’infanzia e l’utilizzo del colore blu, o forse sarebbe meglio scrivere blue, in inglese, come i titoli di tutte le sue opere, come il colore della malinconia. Tatuata sulla pelle, la notte rimane l’ambientazione prediletta di entrambi i quadri, ambientazione che si riversa all’interno di corpi adagiati su un letto disfatto, oppure in sella al cavallo di un carosello sognato.