Simulacri dell'uomo. Figure, volti, sembianze

Uno scarto notevole possiamo osservarlo invece successivamente, in epoca postimpressionista e preespressionista: Edvard Munch (1863 – 1944), con il dipinto "L'urlo" (1893), di cui l'autore produsse diverse versioni, è una visione della natura i cui colori stravolti echeggiano la disperazione dell'uomo, travolto dalle vicissitudini della vita, e i cui tratti somatici risultano anch'essi snaturati. Con opere quali "La danza" (1909), "La gioia di vivere" (1906), "La musica" (1910), di Henri Matisse (1869 – 1954), le forme appaiono schematiche, il segno si fa continuo, corposo e avvolgente, il ritmo è serrato e i colori divengono espressione delle passioni.

Il quasi contemporaneo Cubismo (1907 – 1914) vede il sovvertimento di tutti i parametri, a partire dalle "Demoiselles d'Avignon" (1906 – 1907) di Pablo Picasso, in cui ogni elemento, dalla prospettiva, alle proporzioni, al colore, è messo in discussione e scomposto, al fine di includere e prospettare nella visione ogni punto di vista possibile, una crisi degli strumenti conoscitivi, considerato anche il periodo pre-bellico.
In età secessionista (1898 – 1918), il lavoro di uno dei capofila, Egon Schiele (1890 – 1918), aaprofondiva il contesto di questa crisi, divenuta ancor più drammatica nel periodo della Prima Guerra, espandendosi nel campo dei valori umani e della psiche. L'estrema disarticolazione delle membra, presente nei suoi soggetti, e la loro erotizzazione, è rivelatrice, oltre che di una grande maestria anatomica, di una sofferenza interiore che esplicita il demone di ogni grande artista, dato dalla sua stessa capacità di rompere gli schemi.

Il Surrealismo di Joan Mirò (1893 – 1983), scultore, pittore e ceramista catalano, osserva un superamento della forma in vista della creazione di un vero e proprio linguaggio che si avvicina all'astrazione: i cosiddetti "miroglifici", coem definiti dal poeta e scrittore francese Raymond Queneau (1903 – 1976), i quali producono un codice ricorrente, con i propri particolari grafemi, che ripercorre i motivi dell'automatismo psichico e di un intenso spiritualismo, rivelando creature polimorfe.
L'arte informale di Willem de Kooning (1904 – 1997), nutrendosi di luce, colore e segno, scompone queste istanze per dare origine a suggestioni che non ravvisano, ma evocano le entità citate, come nella serie di sei, a partire dall'opera antesignana "Donna I" (1950 – 1952).

Di segno differente, la serie delle "Têtes d'otages" di Jean Fautrier (1898 – 1964), esponente del "Tachisme", pittura informale a macchie degli anni '50 in Francia. Protagonista della resistenza nel periodo della Seconda Guerra, ne ritrarrà la tragica essenza in queste fisionomie appena accennate, che immortalano le cicatrici dell'anima dei partigiani francesi (1942 – 1943).
Per amore di sintesi, giungiamo all'esperienza espressionista del secondo Novecento del pittore irlandese Francis Bacon (1909 – 1992): l'esperienza personale e individuale diviene protagonista, traducendosi in immagini che turbano e inquietano, rivelando il vissuto celato nelle ombre della coscienza, come nella celeberrima sequenza dei "Papi" (1949 -1956), derivati dal "Ritratto di Papa Innocenzo X" (1650) di Diego Velàzquez, in cui i colori cupi echeggiano la desolazione degli ambienti.
Questa breve carrellata descrive a grandi linee il rapporto fra la parvenza umana e l'arte, che gli artisti selezionati ad esporre in questa mostra saranno chiamati ad interpretare e proseguire, seguendo la loro tecnica, stile e poetica personale.

Maria Palladino