Vito Campanelli. Arousal, o del risveglio

Il campo della tela, che è spazio, non luogo, appare percorso da salienze emotive, da necessarie contraddizioni: quasi le scintille che balenano dallo sfrigolìo di una pietra focaia. Ed è in quel punto, nella smagliatura della tinta agglutinata, che appare la sorpresa, il coup de théâtre: forse un inciso, la coda di una cometa, vitale mescolanza di azzurrità e humus. Fuoco di ferro e fosforo, gallio e indio; fuoco blu.

Spesso gli sviluppi più fruttuosi – come amava ripetere Karl Heisemberg, uno dei padri della fisica quantistica – si verificano ai punti d'interferenza tra diverse linee di pensiero: come strati di pittura, blu e ancora blu, gli eventi stessi possono coesistere in stati sovrapposti, generando una realtà complessa. Nasce blu un grande pensiero, sul ciglio di una comprensione che tutto tiene.

Campanelli prende sempre posizione per il pericolo, scende al fondo. Ovunque è altrove. L'apparente stato di quiete, nel blu, insiste su un inganno percettivo; il risveglio genera delle, sia pur lievi, alterazioni negli effetti dinamici delle forze in campo. Fra lo spazio e il ritmo del braccio che dipinge, su quel margine che è volo e strapiombo, azzardo estremo. La tinta penetra l'artista come seme nella terra: che luminosa follia aver generato l'amore, sulla spessa cenere dei giorni.

Infine ci è chiaro, i lavori di Campanelli sono opere di desiderio nell'accezione lacaniana, laddove il desiderio è la parte più intima di ogni uomo e, nello stesso tempo, a lui stesso la più sconosciuta. Forza che non si placa con la soddisfazione dell'impulso, condizione assoluta che rende vivi, in allerta, aperti alla possibilità, all'imprevedibile.

Dagli occhi al respiro, dalle ciglia alle labbra: è anche rabbia talvolta, ribellione che dilaga sulla tela, furore indistinguibile dall'urlo; il blu profondo comporta il passaggio del confine che ci separa da noi, dalla nostra presenza materiale. Tuttavia è anche stato di grazia, l'essere colti da un esistere che non riguarda più il soggetto; la rosa di Nessuno di Paul Célan, l'accadere e l'impossibile mischiati contro l'oblio. Il gesto, allora, si fa liberazione di un'energia che esiste di per sé, e le opere sorgono soprattutto per l'urgenza di far uscire quella grazia. Quasi un'eruzione.

È l'artista che appartiene alla sua opera, e non viceversa: increspature, lampi, lacerazioni percorrono il suo agire come lame taglienti. La ferita appartiene anch'essa a questa materia fremente e trasmutata, senza riparo, ed è ferita di tutti. Ciò che resta nel silenzio, mentre la tinta si asciuga, è – per noi che la contempliamo – più che un abbraccio.

Francesca Brandes